Formada en Northampton en 1978. La banda tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda decada del siglo XX, aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, perdiendo la última parte antes del primer año.
A pesar de que había bandas precursoras del estilo gótico, muchos consideran a Bauhaus la primera banda gótica. Bauhaus combinaban un gran número de influencias punk y glam rock. Su sonido influyó, inspiró y llamó la atención sobre un conjunto de grupos post-punk generando el estilo intenso y triste que acabó siendo el rock gótico.
Su single debut, "Bela Lugosi's Dead", se publicó en agosto de 1979. Era una canción de 9 minutos de duración y grabada en directo en el estudio de una sola toma, es un trabajo minimalista. La canción fue la banda sonora de la película "The Hunger" de Tony Scott del año 1983.
En 1980 grabaron su primer L.P. "In The Flat Field", un álbum claustrofóbico y denso, que seguía los derroteros marcados por su single de debut y que los situó entre los abanderados del movimiento gótico junto a bandas como Siouxsie & The Banshees, The Cure o Joy Division. Con su segundo L.P. "Mask" editado en 1981 y una sucesión de singles de éxitos, la banda logró consolidarse en el mercado europeo y subir alto en las listas con una versión del tema "Ziggy Stardust" de David Bowie.
She's in Parties:
Su siguiente trabajo "The Sky´s Gone Out" mostraba una evolución del grupo hacia sonidos más experimentales, y fue editado en 1982 acompañado de un disco en directo llamado "Press The Eject And Give Me The Tape". En esas fechas comenzaron los problemas internos de la banda debido al excesivo protagonismo de su vocalista Peter Murphy, que se volvió la cara principal de publicidad de las cintas de cassette Maxel y que realizó una aparcición estelar en el prologo de la película "El Ansia" (The Hunger) de Tony Scott ahí donde se suponía debían aparecer todos los miembros de la banda.
Ya en 1983, Bauhaus presentó su último disco "Burning From The Inside" que fue su mayor éxito de ventas y que mostraba al grupo en su faceta más comercial con singles como "She´s In Parties". El disco lo comenzaron a grabar los miembros de la banda mientras Peter Murphy se encontraba hospitalizado debido a una neumonía, este detalle y el hecho de que cuando Murphy se presentó a grabar las voces del disco Daniel Ash y David J habían grabado sus voces en algunos temas, fueron el detonante para la disolución de la banda.
En 1998, Bauhaus se reunieron para el "Resurrection Tour" que incluía dos nuevas canciones ("Severance", original de Dead Can Dance y "The Dog's a Vapour" que también estaba publicada en la BSO de la película "Heavy Metal 2"). Un disco en directo grabado durante la gira, Gotham, fue publicado ese mismo año.
En 2005, Bauhaus tocaron en una actuación de reunión en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en Indio (California) el 30 de abril de 2005. No se esperaban canciones nuevas, pero Peter Murphy continuó tras la actuación de Coachella con su gira en solitario para promocionar su nuevo disco. Él no solía tocar canciones de Bauhaus en sus actuaciones en solitario.
Después de la gira en solitario de 2005 de Peter Murphy, Bauhaus empezó una gira completa entre el otoño de 2005 (Norteamérica, México) y primavera de 2006 (Europa).
En Marzo del 2008 lanzó su último disco de estudio, luego de más de 20 años sin grabar. "Go Away White", es el nombre del oscuro disco. El cual ha sido alabado hasta el momento por su contenido misceláneo y preciso, con temas que van desde sonidos de rock clásico ("Too much 21th century", "Black Stone Heart") hasta los temas más oscuros y profundos de su carrera discográfica ("Saved", "The Dog's a Vapour")
Fue en 1982 cuando comenzó la historia de la banda. Robin Guthrie trabajaba como D.J. en un club punk de Grangemouth, una sencilla ciudad industrial de Escocia. Tocaba en varios grupos como invitado, pero deseaba formar su propia banda. Ya había convencido a su amigo de adolescencia Will Heggie para que lo acompañara en su proyecto. Faltaba una voz que entregara su alma a las composiciones que ellos comenzaban a crear. Mientras, Elizabeth Fraser se había unido a una comunidad punk después de haber huido de su casa a los 16 años. En ese entonces, Liz lucía el peinado mohicano que identificaba a este movimiento.
"Yo era la punk - rocker más dulce que alguien pudiera imaginar… me parecía a Bilma Picapiedra", recordaría ella en 1996.
Liz estuvo yendo durante todo un año al club donde trabajaba Robin antes de hablar con él:
"un día, estábamos todos tan borrachos que hablábamos unos con otros como si nos conociéramos… entonces le hablé a Robin por primera vez... él me dijo que quería formar una banda y buscaba una vocalista. Yo acepté porque no estaba haciendo nada". Así es como, influenciados por bandas punk y new wave como Sex Pistols, The Buzzcocks, The Birthday Party y Simply Minds, el grupo comenzó a dar vida a su música de ensueños. La banda se llamó Cocteau Twins, adoptando el nombre de una canción de los también escoceces Simple Minds, que posteriormente se llamó "No Future".
En un comienzo ella se retiró, pero tras iniciar una relación con Guthrie, volvió 6 meses después, para quedarse.
En un concierto de The Birthday Party, una de las primeras bandas reclutadas por el naciente sello índependiente de música, 4AD, Guthrie fue aconsejado por Phil Calvert, baterista de The Birthday Party, para ponerse en contacto con el sello, del que le dio la dirección. Siguiendo estos consejos, Guthrie envió algunas grabaciones. Del sello les respondieron, solicitando más.
En 1982 llegaron a Londres, donde esa primavera grabaron algunas canciones para Ivo Watts-Russell y en junio su primer LP, "Garlands". Esta grabación tomó tan solo 7 días. El disco resultante es de una atmósfera oscura, con un bajo muy marcado, rasgueado con púa; una guitarra con distorsión, en acordes y arpegios, unidos a secuencias electrónicas de percusión de un equipo Roland 808, tejen los riffs sobre los que Liz Fraser canta de manera asombrosa sus enigmáticos versos. Los textos, incomprensibles e inspiradores, llenos de imágenes han sido materia de debate entre sus seguidores. Al cantarlos, Liz hace a veces inéditos giros, semejantes a los trillos (repetición rápida de una nota), que a veces aparecen en la música vocal barroca italiana.
En un concierto, nuevamente de The Birthday Party, Guthrie encontró a John Peel, quien producía sus célebres sesiones en la Radio 1 de la BBC. Entre otros, habían estado en ellas, UB40, Simple Minds y Bauhaus. Guthrie le dio una grabación a Peel. Como resultado de esto, la sesión del 21 de junio fue para Cocteau Twins. Algunas canciones de una sesión de enero de 1983 se agregaron a las edición digital británica y la canadiense de Garlands.
Más tarde, volverían a grabar con Peel, en 1983 y 1984. El propio Guthrie, refiriéndose más tarde a este encuentro, contaba que habían hecho dos grabaciones y una se la habían dado a Watts-Russell y la otra a Peel, pues no tanían manera de hacer una y copiarla. En las sesiones de enero del 1983 se incluyen las canciones "Dear Heart" y una versión de "Hazel" con intervención de Gordon Sharp de Cindytalk, únicos casos en que hay otra voz aparte de la de Liz.
Las primeras actuaciones en vivo de Cocteau Twins fueron teloneando a The Birthday Party y Modern English. En esta época se nota en escena, una clara influencia del Punk. "Garlands" se convertiría en uno de los discos independientes más exitosos de 1982, llegando al quinto lugar en el ranking británico independiente.
El EP que siguió fue "Lullabies", que continúa en la misma línea musical. Su carátula llegaría a convertirse en una especie de ícono del grupo. La imagen en sepia, de aire victoriano, es la de una mujer descalza, con un amplio vestido, sosteniéndose sobre una mano, con una pierna en alto y la otra perpendicular. La falda adquiere en esta acrobacia la forma de una cala, donde la pierna en alto viene a ser el pistilo y el resto del cuerpo el tallo de la flor. En la contratapa de hecho aparece una cala, trasmutación de la primera
Tras "Lullabies", vino "Peppermint Pig", donde trabajaron con Alan Rankin de The Associates, como productor. Este EP, si bien fue bien acogido por el público, disgustó mucho a la banda, que decidió no volver a trabajar con productores externos.
El dúo Cocteau Twins (1983)
A comienzos de 1983, Heggie se retira del grupo. Se mantienen en buenos términos, pero Heggie sigue con Lowlife y Cocteau Twins queda ahora sólo con Robin y Liz. El LP "Head Over Heels" y el EP "Sunburst And Snowblind", grabados en Edimburgo, dan un giro hacia lo que será su sonido. Se aleja del punk y acusa a veces influencias de géneros muy diversos. La percusión electrónica es menos marcada que antes y pulso pierde importancia, en beneficio de otros elementos musicales. El bajo, tocado ahora por Guthire, menos metálico, se fusiona mejor con la guitarra. Esta aparece ahora con más reverb y en varias capas. Hay canciones oscuras pero con una atmósfera algo más eterea, que será el sello de la banda. Liz ocasionalmente hace más de una voz, en textos que se han vuelto casi ininteligiles. Sólo hay títulos extraños, pues jamás publicaron sus letras en los discos.
La gira para este nuevo material les trae bastantes problemas técnicos, pues al estar sólo los dos para tocar en el escenario, necesitan para las cintas con percusión y bajo pregrabados, un adecuado sistema de monitoreo, con el que no cuentan. Esto los deja disconformes y los hace volver a Londres después de 8 conciertos, habiendo planificado inicialmente 15. En esta época la pareja se establece en Londres e inicia nuevas giras, incluidas sus primeras actuaciones al otro lado del Atlántico.
Pronto dejarán de ser un dúo, al encontrar al bajista inglés Simon Raymonde, que se unirá a ellos.
Trabajo en This Mortal Coil El proyecto This Mortal Coil (TMC), concebido por Ivo Watts Russell estaba formado por artistas de 4AD y ocasionalmente invitados que no pertenecían al sello, que grababan principalmente covers. En el disco "It'll End In Tears" los Cocteaus participaron junto a Dead Can Dance, Modern English, y otros grupos. Se llegó a hacer muy popular la melancólica y misteriosa versión de "Song To The Siren", de Liz y Robin. Esta canción, como "Another Day", originalmente para ser cantadas por hombres que se refieren a una mujer, son magistralmente interpretadas por Liz, sin necesidad de adaptar el texto. En la primera, con los acordes oscuros y acuáticos de la guitarra de Robin, en la segunda, con un cuarteto de cuerdas. Robin manifestaría a propósito que las cuerdas frotadas, habituales en TMC, no eran el sonido que buscaban. En la historia del grupo no las usarían más que en una ocasión, casi 12 años más tarde, en un EP bastante experimental. De "Song To The Siren" se llega a hacer un video de fondo negro, con imágenes otoñales, donde aparecen primeros planos de una muy joven Liz Fraser, con -cosa poco frecuente en esa época- un pequeño piercing en la nariz, que después abandonaría definitivamente. Este es el primer video oficial del grupo. La canción, a pesar de su enorme éxito no los deja conformes, pues no corresponde a su trabajo como Cocteau Twins sino como This Mortal Coil. En los EPs "Sixteen Days" / "Gathering Dust" aparecen recién canciones junto a Simon Raymonde.
Los tres volverían a grabar "Crushed", en el video "Lonely Is An Eyesore". Liz y Robin ya no volverían a participar en el proyecto. Por su parte Simon grabó el bajo, piano y guitarra en varias canciones del LP "Filigree And Shadow".
Hasta aquí llega su participación en This Mortal Coil.
Recién aquí comienza la historia propiamente tal del trío que en definitiva sería Cocteau Twins. A partir del disco "Treausure" (1984) fue el puntapié del sonido del género que luego se llamaría Dream Pop.
Aikea Guinea
LORELEI
El Amor Doloroso
En 1982 es lanzado el primer disco de los gemelos "Garlands". Ese mismo año, Liz y Robin dieron comienzo a una tormentosa relación de pareja. En ese entonces, ella se sentía sola y confundida:
"Yo me sentía perdida, no sabía quién era y él pensaba plenamente por los dos… Creo que nos enamoramos por motivos equivocados". En la década de los ochenta y mientras la fama del grupo aumentaba, la negativa de ambos de hablar con la prensa acerca de su relación dio pie a que la banda fuera cubierta por un aura romántica que distaba bastante de lo que ocurría en realidad.
La suave y desgarradora ternura que expresaba Liz al cantar, sumada a las guitarras que se volvían cada vez más etéreas y sugestivas, no hicieron más que acrecentar el mito de la historia de amor convertida en música.
En 1983 es lanzado el segundo disco "Head Over Heels" y el grupo comienza una gira europea como teloneros de Orchestral Manouvers in the Dark (OMD). La rutina significó un importante desgaste en las relaciones humanas al interior de la banda, lo que llevó a Will Heggie a abandonar el proyecto una vez finalizadas las presentaciones.
Es entonces cuando llega Simon Raymonde a encargarse del bajo, marcando el comienzo de un camino que se iría alejando cada vez más de las influencias del post punk. Con ello, el sonido de la banda tomaría colores propios, más allá de las modas que en ese momento se imponían en el Reino Unido.
Mientras la música de los gemelos se hacía cada vez más onírica, la relación entre Liz y Robin se sumergía cada vez más en el caos que precipitaría el fin. Simon, en tanto, se transformaba en un puente conciliador entre estas dos salvajes soledades.
Y la música, en la única manera que encontraban para comunicarse entre ellos y con el mundo.Robin señalaría en 1994 "...Desde un comienzo, nuestra única forma de expresión (y me refiero en todos los ámbitos de la vida) fue la música… Creo que nunca intentamos cambiar el mundo, sino simplemente cambiarnos a nosotros mismos…"
Las Letras
Mucho se ha dicho acerca del significado de las letras de Cocteau Twins. El misterio y la ambigüedad de éstas siempre fueron motivo de especulaciones. Cuando en la década de los ‘80 Liz era consultada al respecto, repetía una y otra vez: "No lo sé". Esta actitud entre tímida, indiferente y hermética no hizo más que alimentar el mito.
Su obsesión con los fonemas, los balbuceos y los susurros hicieron que fuera comparada con los dadaístas, y su afición a inventar palabras sólo por la fascinación de crear sonidos la llevaron a ser comparada con el poeta romántico francés Stéphane Mallarmé.
La combinación que Liz realizaba de palabras en distintos idiomas, creando luego neologismos que integraban los significados conocidos y dejaban espacio para que cada persona las interpretara desde su propio mundo interior, la llevaron a ser comparada con el escritor James Joyce.
Sin embargo, al ser consultada Liz mantenía su postura "simplemente no sé por qué canto como canto. Nunca he leído ni a Mallarmé ni a Joyce".
Por otra parte, las declaraciones de Robin que invitaban a que las personas se dejaran llevar por el sonido de Cocteau Twins y olvidaran buscar un significado único a las letras de las canciones, llevaron a la prensa especializada a señalar que esta banda representaba para la música lo que los impresionistas para la pintura. Todo por darle preponderancia a la esencia de los sentimientos y de las sensaciones en lugar de simplemente hablar acerca de ellos.
Lo cierto es que durante toda su trayectoria en Cocteau Twins, Liz llevó diarios donde escribía palabras en varios idiomas, las que llamaban su atención por el sonido más que por el significado. En estos diarios iba escribiendo también las frases que inconscientemente venían a su cabeza, las que después desintegraba al cantar para dar vida a los fonemas que han llenado de magia su canto.
Pink Orange Red
Iceblink Luck
Al detenerse en las escasas frases coherentes distinguibles en la primera etapa de Cocteau Twins, es posible encontrar una incesante necesidad de llevar consuelo a almas sin nombre que se encuentran sumergidas en un profundo estado de desolación. Este consuelo se volvería una desagarradora plegaria en el tema "Pink Orange Red" (perteneciente al E.P. "Tiny Dynamine", de 1984):
"Cae/ Por favor levántate/ No te arruines a ti mismo/ En mi corazón/ Te levantas/ En mi corazón/ Yo canto esta canción/ Vuelve a levantarte/ Yo estoy en esta canción".
En 1984 es lanzado el disco "Treasure". Con Liz inspirada en mujeres míticas como Lorelei, Perséfone, Pandora y Beatrix, y la música sonando como el flujo de los océanos, este trabajo representa un homenaje a lo que el inconsciente colectivo simboliza como el mundo femenino. Desde entonces, el fluir de lo femenino (que en los discos anteriores sólo se insinuaba) estaría presente transversalmente en las creaciones de la banda.
Cuando en 1986 aparece el álbum "Victorialand", la música de Cocteau Twins llega a ser denominada "La voz de Dios" en el Reino Unido. Este disco en particular representa el máximo nivel de experimentación alcanzados por el grupo, ya que prácticamente carece de líricas legibles. No deja de ser simbólico que éste sea uno de los discos más intensos y conmovedores de toda su trayectoria. Representa simplemente el alma de los tres gemelos en un grado supremo de comunión, entregados a una explosión de sonidos que no es sino la voz de sus propios mundos internos.
Sin embargo, la elevación espiritual que supone la música resultante de este disco parece ser más un intento de huir del infierno que cada uno estaba sufriendo en la tierra. Una manera de viajar hasta la tranquilidad más sublime, un camino que les permitiera sobrevivir a pesar del dolor marcado sobre sus alas.
No es de extrañar entonces la ausencia de letras. Cuando el dolor es tan profundo, no hay palabras que permitan dimensionarlo. El flujo contenido en la música de los gemelos no ha sido sólo el resultado de la experimentación. Representa una manera de consolarse a sí mismos creando caminos hacia otros mundos.
Música para Cambiar de Planeta
En 1990 nace Lucy Belle, hija de Liz y Robin. Lo que ante los ojos de los demás no era más que la coronación de una historia de amor hecha música, no fue sino el único camino que vislumbró Liz para salvar su cada vez más invivible relación con Robin.
"Fue mi último y desesperado intento por retenerlo a mi lado", confesaría en 1996.
No obstante las dificultades con Robin, el nacimiento de Lucy significó para Liz la oportunidad de sanar sus heridas relacionadas con la familia y la maternidad, llegando a ser entonces una importante fuente de desarrollo espiritual.
"Tuve que mirar dentro de mi alma y enfrentarme a todos los dolores de los que había intentado huir. Fue un proceso doloroso que me permitió conocerme más. Por eso, sólo ahora puedo hablar acerca del significado de mis letras. Cuando no sabes nada de ti, ¿cómo puedes comprender tu mundo interno…?"
Inevitablemente, los conflictos personales existentes entre Robin y Liz repercutieron en el trabajo que realizaban junto a Simon como banda. Cuando Robin recuerda el turbulento período entre 1990 y 1993, insiste en que se admira de no haberse matado mutuamente, haber cometido suicidio colectivo o haber incendiado el lugar en que vivían. Resulta difícil imaginar que en tal clima de agresividad se gestara una música tan llena de armonía.
En esos años, los tres integrantes de Cocteau Twins debieron enfrentar sus propias tragedias personales. En 1993 Robin se internó en una clínica para rehabilitarse de su adicción a las drogas y al alcohol. Al mismo tiempo, Liz era internada en una clínica psiquiátrica para reponerse de un "colapso nervioso", relacionado tal vez con la bulimia que había estado sufriendo durante varios años.
Cuando Robin se recuperó de su adicción a las drogas y Liz de sus problemas emocionales, decidieron terminar con su relación de pareja. Mientras, Simon intentaba mantener la calma para seguir adelante con los proyectos de la banda.
El dolor que para cada uno de los integrantes del grupo significó este período quedaría plasmado en el disco "Four Calendar Café", lanzado precisamente en 1993. Este trabajo desborda delicadeza y ternura en cada uno de sus temas. Una vez más, la música se convierte para los tres gemelos en una puerta de entrada a otros mundos, donde todos los dolores sufridos en los distintos momentos de la existencia pueden ser consolados.
El proceso de creación del disco "Four Calendar Café" estuvo marcado por una profunda reflexión de cada uno de los integrantes del grupo respecto de quiénes habían sido y en quiénes se habían convertido.
Para Liz, significó enfrentarse además al feroz sufrimiento vivido durante su niñez. Tal vez por eso la carátula muestra unos juguetes vistos a través de luces ultravioletas, como una manera de representar el comienzo de la reconciliación de Liz con una infancia marcada por el dolor llevado en silencio.
Liz sufrió abuso sexual desde los seis años de parte de su hermano, y probablemente, de parte de su padre: "Realmente no tengo la certeza. Las personas que hemos sido abusadas recordamos los ataques sin el rostro del agresor… siempre nos estamos protegiendo de ellos, incluso cuando recordamos…"
Una vez más aparece la idea del dolor que cuando es insoportable se vuelve confuso, sin forma, sin nombre. Muchas veces, los niños que sufren abuso sexual desarrollan dificultades para comunicarse con el mundo. Es tanto el dolor que fluye desde la realidad, que el mundo psíquico se refugia en fantasías donde ningún otro ser humano tiene cabida, porque recuerdan las heridas que se pretenden olvidar.
Al revisar las letras creadas por Liz para la música compuesta por Robin y Simon a lo largo de la historia de Cocteau Twins, siempre es posible hallar un mensaje aparentemente indescifrable que representa la entrada a mundos de fantasía, donde las mamás son mariposas, donde las lágrimas son de perlas y donde es posible fluir hasta ser tragados por el mar, para luego transformar la sangre y el dolor en la canción de una sirena.
En la música de Cocteau Twins todo el sufrimiento es transformado en luz, dando paso a lugares donde la belleza puede volverse insoportable de tan intensa y pura.
Cuando Liz reflexiona luego del lanzamiento de Four Calendar Café acerca de su particular manera de cantar, concluye que siempre se había estado diciendo lo mismo de distintas maneras, sólo que no quería que nadie más comprendiera su mensaje:
"Cuando me preguntaban acerca del significado de mis letras y yo respondía "no lo sé", era porque realmente no lo sabía. Simplemente afloraban a mi mente de manera inconsciente. Sólo ahora me he dado cuenta que tenía temor de ser oída, terror de ser juzgada".
Todos esos juegos de palabras, las rimas y los fonemas no eran sino mensajes que Liz se enviaba a sí misma. Su canto ha contenido todo el dolor acumulado a lo largo de su vida. Se ha nutrido de sonidos que dan cuenta de su íntima necesidad de ser consolada. Al no recibir este consuelo en el mundo real, lo creaba con su voz para dedicárselo a sí misma en cada una de sus canciones.
El dolor y la tristeza siempre estuvieron en el canto de Liz, pero sólo en "Four Calendar Café" es que ella se siente capaz de utilizar un lenguaje más claro que en los discos anteriores, permitiendo que quienes la escuchemos lancemos una mirada a ese mundo interior que tanto ha protegido desde que comenzó a ser dañado.
En el tema "Evangeline" alude a lo que fue su difícil paso por la adolescencia:
"El dolor de permitir que algún otro te defina / Conoce quién eres a cada edad/ ¿Qué impresión estoy dando? / Me veo a mí misma como otras personas me ven/ No hay vuelta atrás/ Ahora no puedo parar de sentir/ No soy la misma / Estoy creciendo otra vez/ No hay vuelta atrás/ No puedo parar de sentir/ Tuve que fantasear / Fui una princesa/ Mamá y papá fueron la reina y el rey/ ¿Tengo que sentir esto?/ Me veo a mí misma como otros me ven/ Tuve que fantasear para sobrevivir/ Fui una artista famosa/ Todo el mundo me tomó en serio/ Incluso aquellos que nunca me comprendieron / Tuve que fantasear para sobrevivir…"
Los abusos sexuales que sufrió en su infancia son aludidos en el tema "Theft, and Wandering Around Lost":
"Mi cuerpo es mío/ Mi cuerpo es solamente mío/ Y yo merezco protección y puedo crearla para ti/ ¿Esto es lo que mi cuerpo ha dicho?/ Úsame, dréname/ Cae a mi alrededor/ ¿Esto es lo que mi cuerpo ha dicho?/ Engúlleme/ Estoy casi muerto..."
En medio de dolores tan profundos e íntimos, es posible además encontrar en este disco la esperanza que para Liz ha significado la crianza de Lucy, como en "Pur":
"Estoy feliz de que seas una niña/ Me siento bendecida por conocerte/ Te quiero porque eres tú/ Estoy feliz de que estés creciendo .../ No tengo miedo de que envejezcas/ ¿Qué necesitas?/¿Qué deseas?/ Te amo y sé que puedes imaginártelo."
Si bien después de 1993 Simon, Robin y Liz dieron comienzo una nueva etapa en su relación como compañeros de banda, las dificultades nunca se alejaron demasiado.
Seekers Who are Lovers
Cuando se encontraban grabando "Milk and Kisses", Robin ya había formado un nuevo hogar con Florence y Liz había recién terminado una relación sentimental que significó una importante experiencia en su vida. Sin embargo, las relaciones al interior de la banda iban de mal en peor. Simon grababa sus partes durante el día, Robin durante la noche y una vez que estaban los temas listos, Liz grababa las pistas con su voz. Prácticamente evitaban relacionarse unos con otros.
Simon se refiere al clima que históricamente ha existido dentro de la banda, el cual se vio agudizado mientras trabajaban en el que sería el último disco:
"Existe tanta agresividad, rabia y rencor al interior de esta banda y aún la gente continúa diciendo que nuestra música transmite tranquilidad…"
El nombre de este disco está inspirado en las palabras que unos amigos de Liz le dedicaron en una oportunidad:
"Una vez me encontraba muy mal anímicamente y unos amigos intentaban consolarme a través del teléfono. Uno de ellos me dijo: ‘Liz, arranca el veneno de tu alma y reemplázalo por leche y por besos’…"
Una vez más, Liz convierte su voz en el consuelo que necesita para sentirse mejor, para atenuar ese dolor que parece no abandonarla jamás, a pesar de sus desesperados intentos por mirar hacia los cielos y lograr sonreír.
Para Liz, este disco tiene mucho de esa leche y esos besos que sus amigos le dedicaron. Apenas lanzado este disco en el Reino Unido, Liz debió enfrentar la muerte de su padre. Cuando un ser querido muere, surge la necesidad de recordar todo lo que esa persona nos dejó en su paso por nuestras vidas. Para Liz, la muerte de su padre significó mirar una vez más sobre los dolores acumulados desde su más temprana infancia.
Tanto dolor sobre el alma aparece en las letras de "Milk and Kisses", donde es posible hallar la enorme necesidad de Liz de reencantarse con la belleza de aquellos detalles que llenan de ilusiones la vida de los seres humanos. De alguna manera, necesita recordar sus sueños y sus amores para sentirse ligada a esta existencia.
En "Half Gift" habla acerca de las dificultades de los seres humanos para entregarse por completo cuando se enamoran. Por eso se refiere a entregas a medias:
"Es un antiguo juego, mi amor/ Me quieres cuando no puedes tenerme/ porque sabes que no estás arriesgando nada/ Existe intimidad cuando estamos al mismo tiempo en un mismo lugar/ Una relación que es honesta con lo que sentimos, y con quienes realmente somos/... Y yo aún soy adicta a esto/ porque me aleja de mi soledad/ Pero esta relación no puede sustentarse por sí misma…"
En el mismo tema, Liz intenta recordarse cuánto ama la vida en la Tierra, cuánto la emociona el proceso de crear música, cuánto ama a su familia, a sus amigos, y lo más importante, cuánto amor siente por ella misma:
"Sólo tengo que saber cómo estar en el proceso de crear cosas de la mejor manera / Aún tengo un mundo propio para ser llenado/ Aún tengo una vida que es rica/ Incluso con los lamentos / Incluso con el dolor y la tristeza/ Todavía me preocupo por este planeta / Aún me siento conectada con la naturaleza y con los sueños que tengo para mí misma / Tengo a mis amigos, a mi familia / Me tengo a mí misma/ Aún me tengo."
En "Milk and Kisses", Liz vuelve a entregarse el consuelo que le permite seguir adelante. Esta vez, se muestra los tesoros que esconde su alma y mira hacia los arcoiris que ha guardado dentro de sí a través de los años, dejando escapar destellos violetas que le permiten mirar hacia el sol sin enceguecerse.
Al contemplar las presentaciones de Cocteau Twins en vivo es posible percibir el dolor que siente Liz al entonar cada canción y la ternura con la que intenta atenuar el peso de sus heridas: Liz suele cantar con los ojos cerrados. Si los abre, su mirada parece no ver a nadie. Se pierde en un horizonte que sólo existe dentro de ella. Después de terminada cada canción, busca los ojos de Simon, como quien busca la aprobación de un padre. Simon cumple el rol que Liz le asigna, correspondiendo a sus miradas con sonrisas y gestos de asentimiento. Robin aparece generalmente más preocupado del sonido de su guitarra que de lo que esta ocurriendo a su alrededor.
En diversas entrevistas que los tres gemelos concedieron con motivo de su gira para promocionar "Milk and Kisses" en Estados Unidos y Canadá, se respira el clima que terminaría por separar definitivamente sus caminos en la música: "Yo amo a Simon como se ama a un padre", dice Liz. "Yo también te amo", responde Simon. Mientras, Robin se encarga de dejar en claro que nunca está de acuerdo con Liz y que sólo a veces lo está con Simon.
El destello de Cocteau Twins
En 1998 Liz decidió abandonar a Cocteau Twins para comenzar una carrera como solista. Robin y Simon estuvieron de acuerdo y cada uno emprendió su camino. Sin embargo, la marca que Cocteau Twins dejó sobre ellos continúa presente en los trabajos que han realizado desde la separación.
Al contener una mirada sobre los sufrimientos más íntimos y menos compartidos, la música de Cocteau Twins permite que quienes logren adentrarse en el mundo por ellos creado encuentren un espejo para contemplar sus propios y únicos dolores.
La esperanza que emerge desde sus melodías permite que quienes las escuchan se sientan consolados. La belleza es depositada directamente sobre el alma de lo que cada persona está siendo y está a su vez poblada por las voces y las imágenes que llenaron de sueños aquellos lejanos universos infantiles.
No resulta casual que el canto de Liz suene muchas veces como las canciones de cuna. Es como si ella al cantar se transformara en su propia madre, que como en los cuentos de hadas, la llena de amor susurrándole al oído frases dulces para que pueda dormir sin tener pesadillas.
Inspirada en la música creada por Robin y Simon, Liz se ha cantado a sí misma las canciones que su madre jamás le dedicó, se ha contado los cuentos de hada que su padre destruyó, transformando cada una de las lágrimas que en su infancia nadie secó en melodías llenas de paz y tranquilidad.
Liz sufre mientras canta, porque de algún modo, mediante la música logra llenar su alma de todo aquello que jamás podrá esperar de otro ser humano. En su decepción es donde radica su mayor tristeza. Y es su dolor el alma de Cocteau Twins.
"Al cantar, no me siento como otros dicen sentirse cuando me escuchan. Mientras otros perciben belleza, yo estoy sintiendo dolor…"
Elizabeth Fraser
La música de Cocteau Twins representa un camino que nos permite descubrir el principio de nuestras propias almas. Nos conecta con todas aquellas emociones que muchas veces ocultamos a los demás, por temor a ser heridos. Tal vez por eso resulte tan conmovedor escucharlos cuando nos sentimos solos, cuando no queremos compartir con nadie las cicatrices dejadas por otros sobre nuestros mundos íntimos.
El canto de Liz es una manera de volver transparente la inocencia perdida, arrebatada bruscamente desde sus entrañas cuando tenía seis años, destrozada por un mundo que cada vez deja menos espacio a la compasión y a los sueños.
Ante tanta desolación, Simon, Robin y Liz dieron vida a todo un cosmos de música creado por las formas que sólo tienen la inocencia y la ternura. Un lugar que se encuentra en algún rincón olvidado en cada una de las almas humanas, donde el dolor es llenado de luz para rescatar el brillo que lo convierte en algo que llega a convertirse en hermoso de tan humano.
Definir es como limitarse a unas pocas palabras Para mí la música darkwave surgió de un constante anhelo por exaltar el alma con aquellas emociones olvidadas pero no por eso sin importancia y llenarla de vida. Tanto la melancolía, la tristeza y el desamor son sentimientos igual de bellos, tanto más profundos que sus antónimos. De estas bellezas surge la vida real, la que muchos obvian, son las antagonistas de nuestra historia personal y que nos van esculpiendo a lo largo del camino. ¿Quién sino las vivencias que brotan lágrimas son las que nos quedan ancladas en el corazón y selladas con fuego? Ellas son las que forman nuestro mundo, nuestra forma de ser, pensar y sentir.
Bien podría yo retroceder en el tiempo y decir que el Darkwave nació con las primeras Elegías que se cantaron en la Edad Media. La actitud elegíaca consistía en lamentar cualquier cosa que se pierde: la ilusión, la vida, el tiempo, un ser querido etc. Luego el Romanticismo del siglo XIX con sus diversas ramas nos introdujo aun de forma más clara en lo que hoy en día vemos y sentimos como Darkwave. Recomiendo revisar los archivos históricos antes de juzgar o introducirse en algo que a muchos seduce, porque al estar sin las bases las rutas se pierden y son fácilmente influenciables.
Diversas ramas de la música Darkwave han construido su espacio en el abanico de la musical actual. No puedo empezar a hablar de Darkwave sin antes mencionar al legendario sello inglés 4AD. En sus estudios se fortalecieron bandas que llegaron a transformarse en íconos de muchos que anhelábamos escuchar acordes que fueran espejos de nuestras almas atormentadas. Si bien ya Joy Division había dado el primer paso fueron Cocteau Twins, Clan of Xymox, Dead can Dance y This Mortal Coil quienes, a mi parecer, dieron el gran paso mundial hacia una nueva era. Desde los años 80’s (época en que estas bandas surgieron) comenzó una profunda dedicación de numerosas bandas emergentes en descubrir los sonidos dormidos en épocas antiguas, acordes que exaltaran la melancolía por sobre todo, en inspiraciones clásicas, etc. La tecnología sirvió de puente para revivir las antiguas leyendas y sonidos. Así, bajo la ayuda de sintetizadores y máquinas electrónicas cobraron vida orquestas completas, sonidos rescatados de la naturaleza en una simbiosis perfecta con cuerdas y bronces que mentes sensibles y profundas daban a luz.
Tampoco puedo dejar de hablar de una de las bandas favoritas de muchos (me incluyo) que revolucionaron toda una época y han marcado una tendencia para las bandas que han surgido en la época actual. Me refiero a The Cure. Robert Smith, con su carisma único ha sido y será (creo) uno de los íconos más fuertes para el movimiento darkwave. Sus letras melancólicas, inocentes, a veces desgarradoras y otras maníacas y hasta psicóticas han construido un camino que a muchos seduce e inspira.
Podría construir un listado enorme de bandas que han dejado bellísimos legados con creaciones que merecen ser oídas y vividas, poco a poco escribiré sobre ellas, tratando de brindarles la información mas detallada,
Sin mas preámbulos los invito a adentrarse en este maravilloso mundo...
De todas las bandas implicadas en el movimiento del rock gótico británico de los años 1980, The Fields of the Nephilim eran los más creíbles. Las canciones secretas, ocultas-inspiradas del grupo fueron cantadas por un rugido gutural por el cantante Carl McCoy.
Las apariciones en vivo eran cubiertas con una luz débil y máquinas de humo, mientras que los miembros de la banda salían vestidos como forasterosdel western. El grupo era también uno de los grupos del rock gótico más originales, finalmente rompiendo en 1991 cuando McCoy fue a otro proyecto.
Fields of the Nephilim formado en 1984, en Stevenage, Hertfordshire, con una alineación original de McCoy, el guitarrista Paul Wright, su hermano Nod en bateria, el saxofonista Gary Whisker, y el bajista Tony Pettitt. El quinteto tocó mucho y editó el EP "Burning The Fields" a finales de 1984. Whisker dejó la banda, y Peter Yates se unió como segundo guitarrista.
Beggar's Banquet, también la casa discográfica de bandas como Southern Death Cult y Bauhaus, firmó con Nephilim y editó los simples "Power" y "Preacher Man" en 1986. Ambos hicieron buen papel en las listas independientes; "Preacher Man" llegó al número dos, aumentando la expectativa para el álbum debut Dawnrazor, que apareció en 1987. El álbum también anduvo bien en las listas independientes, pero más tarde Fields of the Nephilim consiguieron romper las listas de simples con "Blue Water". En junio de 1988, el segundo álbum The Nephilim alcanzó el número 12 en el pop charts, mientras que "Moonchild" solo hizo número 28. Un vídeo en vivo titulado "Forever Remain" también fue editado en 1988.
El mayo de 1989 el single "Psychonaut" también sacudió los Primeros 40, pero el disco Elizium (1990) demostró ser el último esfuerzo de estudio del grupo. El album doble en vivo Esrth Inferno también fue editado en 1990, y los singles "For Her Light" y "Sumerland (Dreamed)" fue bien recibido, pero Carl McCoy dejó la banda, en octubre de 1991, y se llevó el nombre con él. El resto de la banda Yates, Pettitt, y los hermanos Wright añadió al cantante Alan Delaney y ediatron "What Starts, Ends" (1992) bajo el nombre de Rubicon; McCoy formó Nefilim, y comenzó a realizar nuevo material, incluyendo el álbum "Zoon" de 1996. Beggar's Banquet publicó una retrospectiva de dos discos en 1994 titulado "Revelations".
Nada fue oído de la banda hasta 2002 cuando apareció Fallen. Aunque el álbum se editò como nuevo, esto era una colección de cortes editados sin el permiso de la banda. Ellos realmente volvieron en 2006 con Mourning Sun.
Discografia
Albums
1987 Dawnrazor 1988 The Nephilim 1990 Elizium 1991 Earth Inferno (live) 2002 Fallen 2005 Mourning Sun
Singles
1986 "Power" 1987 "Preacher Man" 1987 "Burning The Fields (EP)" 1987 "Blue Water" 1988 "Moonchild" 1989 "Psychonaut" 1990 "For Her Light" 1990 "Sumerland (Dreamed) 2000 "One More Nightmare (Trees Come Down A.D.) 2002 "From The Fire"
Otros
1986 Laura, (compilación) 1987 Returning To Gehenna, (compilación) 1992 BBC Radio 1 - Live in Concert, 1993 Revelations, 1993 (compilación) 2001 From Gehenna To Here, 2001 (compilación) 2006 Genesis and Revelations,
Clan Of Xymox o también conocidos simplemente como Xymox, es una banda holandesa de música estilo Dark Wave/Rock gótico formada por Mojca Zugna, Mario Usai, Denise Moorings y Agnes Jasper, aunque la formación original se basaba en Ronny Moorings, Pieter Nooten, y Anke Wolbert.
Comenzaron en 1984. Para ellos su estilo es indefinido, se acerca a la música electrónica, pero le dan sus toques personales, generalmente siniestros o más conocidos como Dark Wave.
De 1985 a 1988 sacaron sus primeros discos con la discográfica 4-AD (Cabe destacar que la discográfica 4-AD ha producido a grupos como The Pixies y Cocteau Twins), con un primer trabajo llamado como ellos, y el famoso disco Medusa, que para la mayoría de los fans de The Clan Of Xymox es uno de sus mejores trabajos.
En 1988 topan con la discográfica Wing y acortar su nombre a “Xymox”. A partir del cambio de discográfica, The Clan Of Xymox (o Xymox) comenzó a aparecer en la lista Billboard y en diversas listas de música alternativa.En 1989 sacaron uno de sus álbumes mejor vendidos, Twist of shadows, con el cual comenzaron una exitosa gira mundial.
A partir de aquí sus álbumes tuvieron menos éxito, si nombramos, por ejemplo, el Phoenix o Metamorphosis.En 1997 sacaron un disco que de nuevo les llevó de gira, en Hidden Faces, en el intento bastante bien logrado de hacer un flash-back a lo que fueron sus exitosos años 80.
Más tarde en 1999 y 2001 sacaron Creatures y Notes from the underground, respectivamente, encasillándose en los términos musicales de música gótica o goth rock.Después de dos discos dentro de su estilo, There’s no tomorrow (2002) y Farewell (2003), pusieron a la venta un grandes éxitos con sus singles más destacados, véase Louise, Innocent, Muscoviet Mosquito o Farewell.
En el año 2006 pusieron a la venta dos nuevos discos, Weak in my knees y Breaking point, donde la gira se dirigió por Italia y Alemania promocionando éste último.Cabe destacar la participación del grupo “The Azoic” entre otros en los remixes del Weak in my knees.
Formada en Northampton en 1978. La banda tomó su nombre de la escuela de diseño alemana Bauhaus creada durante la segunda decada del siglo XX, aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, perdiendo la última parte antes del primer año. 
